Somos un grupo de alumnos pertenecientes a 3º curso del Grado de Educación Primaria de la UCAM. Hemos creado este blog para recoger y plasmar el conjunto de actividades y conceptos desarrollados durante el transcurso de la asignatura "Expresión Plástica y Visual". ¡Os damos la bienvenida, y esperamos que os guste!
viernes, 18 de mayo de 2012
CARTA A UN AMIGO.
Esta carta esta realizada para un amigo que por motivos económicos debe de viajar a otro país. Su modo de entrega es pegada en una cartulina y con fotos de todos los amigos alrededor. Hemos elegido esta presentacion para que pueda tenerla siempre colgada en su casa y no se olvide nunca de nosotros.
Jesus Manuel Ruiz Sanchez
Francisco Manuel Rivera Olivares
jueves, 17 de mayo de 2012
CHELETE MONEREO: " Todo lo que pega pinta"
Hoy hemos empezado la clase viendo un video de la artista Chelete Moreneo. En él se explicaban asoectos como, las diferentes técnicas y materiales para desarrollar la creatividad así como la postura que debemos adoptar en una clase para niños.
Se ha hecho especial hincapié en que los niños a los 11 años empiezan a perder "el estado de artista" por lo que más que enseñarles técnicas, el niño necesita que lo influenciemos mediante una actitud positiva. La creatividad tiene mucho que ver con la " musa" todo lo que nos inspira, por lo que se hace preciso buscar y trabajar este aspecto y del mismo modo fijarnos bien por si tuviesemos un posible artista en clase.
Además nos ha explicado que existen tres maneras de crear un " ambiente en clase": Realizándolo a partir de lo físico de lo emocional y de lo mental. Siempre hay que empezar por lo físico, es decir, el aula, la posición de las mesas, utilizar diversos espacios como la calle, pero siempre en un abiente respetuoso. Esto se puede conseguir siempre y cuando tengamos claro lo que vamos a hacer.
El ambiente tiene que ser lúdico. Nosotros no podemos transmitir el arte porque no somos artistas pero podemos trasmitir ideas de las que puedan basarse. Y recordar que al final de cada sesión es muy favorable realizar un análisis sobre lo que han hecho los niños y sobre uno mismo.
Por otra parte hemos podido conocer cuales son los materiales y métodos básicos. Primeramente se han expuesto los colores primarios cian, amarillo y rojo, explicando que la mezcla de éstos dan lugar a los demás colores y si además añadimos blanco o negro, obtendremos distintas tonalidades.
Entre las técnicas que se han explicado exaltamos, el esparcido, las rayadas o el grabado. Nos ha llamado la atención una metodológía muy original que consiste en empapar un trozo de patata o algodón con pintura y estamparla en el soporte.
Ha sido una charla muy interesante de la que hemos aprendido mucho. Además nos ha servido para realizar nuestras "creaciones artísticas" en la siguiente hora. Hemos disfrutado como niños realizando los dibujos, el ambiente de clase ha sido muy bueno y nos ha servido para poner en práctica todos los conocimientos aprendidos durante la sesión.
A Continuación os mostramos algunas de las obras que hemos realizado.
Se ha hecho especial hincapié en que los niños a los 11 años empiezan a perder "el estado de artista" por lo que más que enseñarles técnicas, el niño necesita que lo influenciemos mediante una actitud positiva. La creatividad tiene mucho que ver con la " musa" todo lo que nos inspira, por lo que se hace preciso buscar y trabajar este aspecto y del mismo modo fijarnos bien por si tuviesemos un posible artista en clase.
Además nos ha explicado que existen tres maneras de crear un " ambiente en clase": Realizándolo a partir de lo físico de lo emocional y de lo mental. Siempre hay que empezar por lo físico, es decir, el aula, la posición de las mesas, utilizar diversos espacios como la calle, pero siempre en un abiente respetuoso. Esto se puede conseguir siempre y cuando tengamos claro lo que vamos a hacer.
El ambiente tiene que ser lúdico. Nosotros no podemos transmitir el arte porque no somos artistas pero podemos trasmitir ideas de las que puedan basarse. Y recordar que al final de cada sesión es muy favorable realizar un análisis sobre lo que han hecho los niños y sobre uno mismo.
Por otra parte hemos podido conocer cuales son los materiales y métodos básicos. Primeramente se han expuesto los colores primarios cian, amarillo y rojo, explicando que la mezcla de éstos dan lugar a los demás colores y si además añadimos blanco o negro, obtendremos distintas tonalidades.
Entre las técnicas que se han explicado exaltamos, el esparcido, las rayadas o el grabado. Nos ha llamado la atención una metodológía muy original que consiste en empapar un trozo de patata o algodón con pintura y estamparla en el soporte.
Ha sido una charla muy interesante de la que hemos aprendido mucho. Además nos ha servido para realizar nuestras "creaciones artísticas" en la siguiente hora. Hemos disfrutado como niños realizando los dibujos, el ambiente de clase ha sido muy bueno y nos ha servido para poner en práctica todos los conocimientos aprendidos durante la sesión.
A Continuación os mostramos algunas de las obras que hemos realizado.
REALIZADO POR:
Anabel Corral García
Carolina Pérez Rodenas
Lorena Martínez Martínez
martes, 15 de mayo de 2012
Guernica y continuación con las cartas de despedida
En la clase de hoy hemos continuado con la elaboración de nuestras cartas de despedida. En concreto nos dedicamos a elaborar la presentación de la carta, es decir, cómo la vamos a entregar, para vincular la literatura y el arte visual con el objetivo conseguir un mejor resultado a la hora de entregar el mensaje.
Además, hemos visto un vídeo del "Guernica" de Picasso en tres dimensiones, que nos ofrece una visión más técnica de este espléndido cuadro.
Ramiro Pinazo Martínez
Víctor San Leandro Pardo
Además, hemos visto un vídeo del "Guernica" de Picasso en tres dimensiones, que nos ofrece una visión más técnica de este espléndido cuadro.
Ramiro Pinazo Martínez
Víctor San Leandro Pardo
lunes, 14 de mayo de 2012
MUSEO DE BELLAS ARTES DE MURCIA
San Jerónimo como escriturario. José de Ribera
En la exposición del museo de Bellas Artes de Murcia, también
nos llamó mucho la atención éste cuadro de José
Ribera, ya que al entrar a la sala en la que se encontraba, nos sorprendió
mucho a todos su gesto y su mirada. En ese momento, todos pensamos lo mismo;
parecía que nos mirase a nosotros como asustado y sorprendido por nuestra
presencia allí. Este fue el principal motivo por el que decidimos escogerlo y
reflexionar sobre todo esto.
San Jerónimo, refleja una expresión en el
rostro como sorprendido a la vez que asustado. Nos expresa la imagen de un
hombre ermitaño, desaliñado y anciano escribiendo un libro en un lugar oscuro y
apartado del mundo. Nos trasmite soledad, tristeza, vejez, abandono, temor,
espanto, asombro, extrañeza, desconcierto, confusión, sobresalto,
consternación…
Después de pensarlo mucho, decidimos
preguntar el motivo de su expresión a las guías del museo.
Para empezar, el cuadro pertenece al
Barroco, cuyo principal objetivo es la expresión del sentimiento, de ahí que
nos transmitiese más que otros expuestos en otras salas de la exposición.
Y como nosotros habíamos predicho, el
cuadro de José de Ribera, refleja a un hombre (San Jerónimo), que se retira a
una cueva como ermitaño. De ahí su expresión de asombro y temor en el cuadro,
que muestra como si alguien hubiese entrado en ese momento a su guarida sin
previo aviso.
San Jerónimo, resultó ser un hombre que
fue doctor de la iglesia y que se encargó de traducir la biblia al latín. Se
trataba de una persona culta, pero que debido a un desencuentro con la iglesia,
se convierte en ermitaño.
La iconografía representa la simbología
del personaje retratado. Existen elementos importantes y llamativos en este
cuadro, tales como el libro (la vulgata), la capa (que representa que era
doctor de la iglesia), y la leona. Resulta que al lado de San Jerónimo, si nos
fijamos bien, podemos apreciar la cara de una leona, que supuestamente él había
alimentado y que se había quedado allí acompañándolo.
José de Ribera, era un pintor Valenciano
del S.XVII muy joven que pinta magistralmente utilizando un juego de luces (El
tenebrismo). Todo esto lo conoce en su viaje a Italia donde se encuentra con
todo lo que se está haciendo allí (Barroco) y con la obra de Caravaggio.
Realizado por:
Anabel Corral García
Lorena Martínez Martínez
Carolina Pérez Rodenas
MUSEO REINA SOFIA
Guernica es un famoso cuadro de Pablo Picasso, pintado en los meses de mayo y junio de 1937, cuyo título alude al bombardeo de Guernica, ocurrido el 26 de abril de dicho año, durante la Guerra Civil Española. Fue realizado por encargo del Director General de Bellas Artes, Josep Renau a petición del Gobierno de la República Española para ser expuesto en el pabellón español durante la Exposición Internacional de 1937 en París, con el fin de atraer la atención del público hacia la causa republicana en plena Guerra Civil Española.
En la década de 1940, puesto que en España se había instaurado el régimen dictatorial del general Franco, Picasso optó por dejar que el cuadro fuese custodiado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York, aunque expresó su voluntad de que fuera devuelto a España cuando volviese al país la democracia. En 1981 la obra llegó finalmente a España. Se expuso al público primero en el Casón del Buen Retiro, y luego, desde 1992, en el Museo Reina Sofía de Madrid, donde se encuentra en exhibición permanente.
Este es el que mas me ha impresionado de todo el viaje a Madrid puesto que es de los mas famosos que hemos visto y he estado acostumbrado en verlo en libros, revistas de arte, medios de comunicación, etc...
La verdad es que cuando lo ves en persona es mucho mas impresionante debido a sus dimensiones.
Francisco y Jesús
CAIXA FORUM
Este edificio fue antiguamente la sede de electricidad hasta finales del s. XIX. Como se puede observar la fachada del edificio es de ladrillo, mientras que la parte inferior del museo esta hecha de piedra (granito). Se puede dividir en tres partes la superior, hecha de acero, la intermedia, hecha de ladrillo macizo y la inferior, hecha de granito.
El edificio se apoya en tres puntos principales:
* Escalera.
* Ascensor.
* Escalera de emergencia.
Tanto el suelo como el techo están hechos con bloques triangulares.
Francisco y Jesús
MUSEO THYSSEN
Marc Chagall (1905), Rusia.
El momento de la guerra queda reflejado en sus obras.
Deforma las imágenes a través de figuras geométricas, también aparecen a menudo animales en sus obras, así como animales antropomórficos.
1911 – 1922. El desembarco de París y la Nueva Rusia. Esta es la época en la que presenta sus exposiciones.
Muere en 1985 con proyectos sin acabar.
Durante la visita al museo Thyssen de Madrid pude contemplar todos los cuadros de Marc Chagall. De todos ellos, he elegido para comentar brevemente estos tres:
Marc Chagall
La Casa Gris
1917
Óleo sobre lienzo.
68 x 74 cm
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid
Nº INV. 500 (1982.26
La casa gris, Marc Chagall
En este cuadro llama mi atención el cambio de colores utilizados, ya que, en la mayoría de sus obras, utiliza colores más cálidos, en esta podemos observar colores fríos, probablemente esto se debió a la época en la que fue pintado, la oscuridad de la guerra.
La imagen es una vista del casco histórico de la ciudad, en la que se reconoce entre otras la torre de la catedral de la Asunción.
Estos tonos grises dominantes transmiten la percepción "triste y desgraciada" que Chagall tenía del lugar que le vio nacer.
El gallo
1928
Óleo sobre lienzo.
81 x 65,5 cm
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid
Nº INV. 499 (1970.23)
El gallo, Marc Chagall
Chagall quiere representar con este lienzo un abrazo amoroso entre un animal y una figura femenina que se suele identificar con un arlequín . El juego amoroso continúa en otras dos parejas de amantes que se abrazan en el fondo de la composición. Para Chagall el gallo tenía un significado simbólico ya que, desde la antigüedad jugaba una parte fundamental en los ritos religiosos como personificación de las fuerzas del sol y del fuego. En este cuadro podemos observar el uso de colores cálidos que dan mayor fuerza a la imagen femenina representada.
Marc Chagall
Desnudo
1913
Gouache sobre papel.
34 x 24 cm
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid
Nº INV. 498 (1967.6)
Desnudo, Marc Chagall
En esta pintura podemos comprobar como desforma las imágenes a través de conos, cubos…(figuras geométricas), así como su tendencia a utilizar colores cálidos.
La geometría y desarticulación de este cuerpo masculino desnudo están próximos al cubismo, mientras que el colorido brillante está en relación con la pintura fauve.
Francisco y Jesús
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